Aus kleinen, angstvollen Augen blickt ein in seinem Innersten erschütterter Mensch auf den Betrachter. Wie der Titel unterstreicht, handelt es sich bei dem Dargestellten um jemanden, der von Schicksalsschlägen gezeichnet ist. Der Kreis des Kopfes wird von mehreren runden Formen gerahmt, die von außen die Figur bedrängen. Die Oberfläche der Arbeit in dunklen Rot- und Brauntönen ist von reliefartiger Struktur, als sei sie von Narben und Schrunden überzogen. Doch ist der Titel auch ganz wörtlich zu verstehen. Mit einer auf das Wesentliche reduzierten Formensprache schafft Klee aus den geometrischen Elementen Kreis, Rechteck und Gerade ein System, das an Wege auf einer topografischen Karte erinnert.

Vor allem die schrillen Farbtöne Rosa-Violett und Blau-Türkis erregen besondere Aufmerksamkeit. Die zeichenhaften Kürzel, charakteristisch für das Spätwerk, überträgt Klee in die Sphäre des Botanischen. So wie die winklig gebrochenen Linien die warmen Farbtöne einzuschnüren scheinen und sie zugleich gegen das kühle, auf Blau und Grün gestimmte Umfeld abschirmen, kann man das Werk – dem vom Künstler gewählten Titel folgend – als Metapher für den Heroismus des schöpferischen Subjekts in finsteren Zeiten, also den einsamen Helden, verstehen. Als Klee das Werk schuf, war er aufgrund der Auswirkungen der Nazi-Diktatur weitgehend vom Kunstmarkt abgeschnitten. Vergleicht man die Bildsprache mit  früheren Garten- und Pflanzendarstellungen, so wird die entschiedene Naturferne dieser Arbeit deutlich. Klee schöpft hier weder aus dem Fundus der Natur noch entfaltet sich sein Bildvokabular in Analogie zur Sprache der Natur. Stattdessen regiert fast gewaltsam die eigene Formfindung.

In einer netzartigen, seriellen Struktur ist eine unregelmäßige Quadrierung in erdigen Brauntönen über das ganze Bild gelegt. Der Rhythmisierung dienen schwarze grafische Zeichen, die auch sonst Klees Spätwerk dominieren Die Komposition ist nach der metrischen Verteilung der Flächenformen, aber auch durch das Zusammenspiel der Farbwerte gewichtet. Die einheitliche Farbstimmung wird durch farbige Aussparungen in Blau, Weiß, Grün und leuchtendem Rot belebt. Sie sind in kühlen geometrischen Formen gestaltet oder bilden emotional aufgeladene Symbole wie die Mondsichel, das auf dem Kopf stehende Herz und den Stern. Durch ihre markante Positionierung wirken sie wie wertvolle Schmuckstücke – Kleinode, wie der Titel verrät. Ob Klee mit der Darstellung auch auf kosmische Vorstellungen anspielt, bleibt ungewiss. Der Künstler verweigerte stets die vollständige Entschlüsselung der Zeichen.

Die an nordafrikanische Architektur erinnernde geometrische Struktur bestimmt die Komposition aus starren Formen. Sie wird von einem schachbrettartigen Muster mit auflockernden halbrunden Elementen überzogen. Das pulsierende Farbengeflecht in vielfältigen Schattierungen bringt ein lebendiges, abwechslungsreiches Geschehen hervor. Bei dieser Arbeit handelt es sich um das Teilstück eines größeren Aquarells, das der Künstler in zwei eigenständige Werke zerschnitten hatte, ein Vorgehen, das er immer wieder anwandte. Während hier die Häuser und Moscheen dominieren, erscheint auf dem Pendant ein vereinzeltes Kamel in weiter Wüstenlandschaft. Ein senkrechter Schnitt trennte die ursprünglich verbundenen Sphären und isolierte Stadt und Land voneinander. So erreichte Klee nicht nur eine Vereinheitlichung der Bildwirkung, sondern zugleich auch die Betonung der markanten Struktur der einzelnen Szenen.

Zwei Dreiecke deuten die Höcker eines Kamels an, rechts davon sind der Kopf und zwei Stufen tiefer die Beine zu erkennen. Der Wechsel des Maßstabs, die Fragmentierung und die flächige Organisation verwandeln die Darstellung in ein Vexierbild. Bis in die kleinste koloristische Nuance hinein spürt man eine wohlüberlegte Strategie. Jeder Pinselstrich ist einem geordneten Ganzen dienstbar gemacht, das auf drei Vorgaben basiert: waagerechte Streifen, senkrechte Markierungen und Kreise. Klee illustrierte nicht, was der Titel beschreibt, sondern schuf eine Balance zwischen dem Eigenwert der Formen und Erinnerungen, die diese Formen und Farben auslösen können. Mit derart unterschwellig humorvollen Bildern wollte Klee den Betrachter von den Zwängen des Alltags entlasten.

Daneben schuf er aber auch bewusst verrätselte Werke. In „Schwarzer Fürst“ ist aus einfachen geometrischen Formen eine Physiognomie entstanden, zu der der Künstler verschiedene kryptische Zeichen platzierte. Als Ausdruck der privaten Mythologie verstanden, könnte der „schwarze Fürst“ der Bewohner einer imaginären Zwischenwelt sein. Möglicherweise ist er auch ein Bild des Teufels, denn im Johannes-Evangelium wird der „Fürst dieser Welt“ mit dem Satan identifiziert. Das Bild ist auch als ein Kommentar zu Himmel und Hölle lesbar. Klee befasste sich mit den letzten Dingen des Lebens nicht im christlichen Sinn. Vielmehr hat er sein Werk mit unzähligen geheimnisvollen Rückverweisen ausgestattet, die seinem Hang zu Spott und Ironie, aber auch seiner Neigung zur Selbststilisierung zu einem spirituellen Wesen Rechnung tragen.

Ab Juli 1931 war Klee nach Jahren am Bauhaus an der Düsseldorfer Staatlichen Akademie als Lehrer tätig. Die Nationalsozialisten zwangen ihn, sein Amt am 21. April 1933 aufzugeben. Die offizielle Entlassung erfolgte zum Jahresende. Der Künstler emigrierte am 23. Dezember 1933 in die Schweiz. In Deutschland wurde Klee in den Jahren der NS-Diktatur als „entarteter“ Künstler geschmäht. Viele seiner Werke beschlagnahmte man aus den Museen und zeigte einige in verunglimpfender Weise 1937/38 in der Wanderausstellung „Entartete Kunst“.

Vor dem Hintergrund dieser historischen Situation erwarb die Landesregierung im Jahr 1960 88 Werke des Künstlers aus Privatbesitz und gründete im Anschluss in Düsseldorf die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Bis zum Erwerb der 26 Zeichnungen im Jahr 2019 war der Bestand auf 101 Zeichnungen, Aquarelle und Gemälde gewachsen. Etwa ein Drittel der Arbeiten entstammt der Zeit ab der Mitte der 1930er Jahre. Das Jahr 1933 war bisher mit drei Werken vertreten: „Gedanken bei Schnee“ wie auch „Kind Ph.“ bereiten die im Spätwerk dominanten Kurvaturen vor. Das dunkelfarbige Blatt „Patientin“, das von einem unruhigen Strich geprägt ist, bildet im Bestand einen Solitär.

Die erworbenen Blätter gehören zu einem Konvolut von über 200 Zeichnungen. Dass es sich bei den durchgehend figurativen Arbeiten um eine zusammenhängende Gruppe aus der ersten Hälfte des Jahres 1933 handelt, lässt sich aus einem Bericht des Akademiekollegen Alexander Zschokke ableiten, dem Klee die Arbeiten wie auch seiner Frau Lily und Walter Kaesbach, dem Direktor der Düsseldorfer Kunstakademie, im Juli 1933 mit dem Kommentar zeigte, dass er die „nationalsozialistische Revolution“ gezeichnet habe. Die überwiegende Anzahl der Zeichnungen befindet sich heute im Zentrum Paul Klee in Bern. In deutschen Museen war bislang keine repräsentative Anzahl dieser Arbeiten nachzuweisen.

Alle Blätter sind technisch und stilistisch einander verwandt. Sie sind in Feder oder Blei auf Papier ausgeführt und in der für Klee typischen Art auf Karton montiert. Motivisch kann man die Zeichnungen Themen wie Kindheit, Sexualität, Mythologie oder Märchen, Geschichte, Kunst, Religion und Tod zurechnen. Mit Blick auf Klees gesamtes Œuvre zeigt sich, daß in diesen Werken eine maßgebliche stilistische Neuorientierung einsetzt. Kennzeichnend ist der unruhige und expressionistisch anmutende Strich, der im Schaffen zu keiner anderen Zeit so dominant nachzuweisen ist. Die wolkig strichelnde, manchmal suchende Kurvatur überrascht, da Klees Werke im Allgemeinen von präzisem Kalkül und bisweilen sklavisch strenger Konstruktion bestimmt sind. Vor dem Hintergrund der Vielfalt des Kleeschen Denkens wäre es jedoch zu kurz gefasst, wenn man in den Werken eine unmittelbare künstlerische Umsetzung der äußeren Bedingungen sähe. Die stilistisch ungewöhnliche Strichführung ist vielmehr als Kennzeichen des Umbruchs und wichtiger Schritt im Zusammenhang mit dem Schaffen im Spätwerk zu betrachten.

Die Deutung der Zeichnungen unterliegt den jeweiligen interpretatorischen Ansätzen. Grundsätzlich muss man festhalten, dass sich Klee in seinem Schaffen gegen eine politische Instrumentalisierung seiner Kunst verwahrte. Allein aufgrund dieser Haltung befand er sich in Opposition zur Forderung der Nationalsozialisten. Möglicherweise reagierte der Künstler mit dem unruhigen Strich stilistisch auf die, von der NS-Ideologie propagierten Ideale, die klare Konturen auszeichnete und von an der Antike orientierten Schönheitsvorstellungen geprägt war. Es mag sein, dass Klee mit diesem eigenwilligen Stil die Unruhe verarbeitete, die mit der von ihm erwähnten „nationalsozialistischen Revolution“ einherging, die aber auch sein privates Umfeld in der ersten Hälfte des Jahres 1933 bestimmte. Aufgrund der offensichtlich bewusst „unpolitischen“ Motivwahl handelt es sich jedoch nicht um eine unmittelbar bildliche Übersetzung von politischen Ereignissen. Klee bediente sich vielmehr der Flucht in Ironie und Parodie. Der Klee-Experte Josef Helfenstein verstand das Konvolut so, daß das Politische der Zeichnungen gerade in der Abwendung von allem Zeitgeschichtlichen liege.

Mit dem jetzt erfolgten Erwerb von 26 Zeichnungen wurde die Kunstsammlung zu dem einzigen Ort, an dem nachzuvollziehen ist, welchen einzigartigen stilistischen Wandel der Künstler um das Jahr 1933 vollzog. Zum anderen dokumentiert das Konvolut den historisch bedeutsamen Zeitraum, den Klee in Düsseldorf verbrachte und gibt der Kunstsammlung Gelegenheit, dem Verlust einer so bedeutenden Persönlichkeit Rechnung zu tragen.